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Nell'ottobre 2020, la National Gallery di Londra ha accolto i visitatori alla prima grande mostra personale in un museo dei famosi dipinti barocchi di Artemisia Gentileschi. Questa attesissima mostra - che ha raccolto recensioni entusiastiche della stampa - riflette il rinnovato interesse per il suo lavoro e il nostro vivo apprezzamento per l’affermazione della figura delle artiste donne nella storia dell'arte occidentale.

Sulle orme di Caravaggio

Non è un caso che questa mostra si tenga alla National Gallery. Nel 1638, Artemisia fu invitata dal re Carlo I a raggiungere suo padre, Orazio Gentileschi, a Londra. (Orazio era stato amico intimo di Caravaggio, e la sua influenza contagiò anche Artemisia). Fu durante i suoi quattro anni lì che Artemisia molto probabilmente creò l'Autoritratto come Allegoria della Pittura (La Pittura). In questo Autoritratto, Artemisia raffigurò la Pittura in assoluta coerenza con la descrizione nel manuale standard emblematico del periodo, l'Iconologia di Cesare Ripa. Allo stesso tempo, il dipinto è un autoritratto: una donna artista che tiene un pennello in una mano e una tavolozza nell'altra. Quando Carlo I lo acquistò, l'Autoritratto di Artemisia divenne il primo dipinto di un'artista donna nella Collezione Reale.

I critici hanno notato che il dipinto forse più noto di Artemisia, Giuditta che decapita Oloferne, può anche essere visto come un autoritratto (sopravvivono due rappresentazioni quasi identiche di lei; una si trova agli Uffizi di Firenze e una a Capodimonte a Napoli). Qui, Artemisia ha dipinto Giuditta che trattiene la testa di Oloferne con la mano sinistra mentre gli taglia la gola con un pugnale scintillante nella mano destra. Un'interpretazione comune è che Oloferne fosse una controfigura di Agostino Tassi, un pittore italiano che Orazio assunse per istruire Artemisia; egli fu poi condannato per averla violentata in seguito a un brutale processo durante il quale Artemisia fu torturata per testare la sua veridicità.

Scoprire e restaurare l'invisibile

Come la Gentileschi, le poche donne che raggiunsero il successo commerciale durante il Barocco e le epoche successive tendevano ad essere figlie di pittori affermati e quindi in grado di apprendere il mestiere frequentando le botteghe dei loro padri. La storia di Plautilla Nelli è diversa. Nacque a Firenze nel 1524 ed entrò nel convento domenicano di Santa Caterina di Cafaggio a quattordici anni. Il convento era un centro di suore artiste autodidatte, tra le quali Nelli si distinse presto. Infatti, Nelli è una delle poche pittrici incluse nell'opera fondamentale di Giorgio Vasari, Vite dei più eccellenti pittori, scultori e architetti.

Nelli e la sua squadra ricevettero presto commissioni da ricchi fiorentini e da chiese in tutta la Toscana e da altre regioni. Vasari notò che "c'erano tanti suoi dipinti nelle case dei signori a Firenze, che sarebbe tedioso menzionarli tutti". La storia, tuttavia, ha per lo più trascurato i suoi contributi al canone e nel 2006, solo tre dipinti sono stati attribuiti a lei; oggi, ne contiamo diciassette. Questi includono, in particolare, la sua interpretazione dell'Ultima Cena. Il dipinto di Nelli, di sette metri per due, fu creato intorno al 1560 e fu esposto a Santa Caterina fino al XIX secolo, quando il convento fu soppresso. Il dipinto finì nel deposito di un vicino monastero.

Nel 2004, Nelli è stata riscoperta da una donna americana, Jane Fortune, che ha notato un riferimento all'artista in un libro trovato in una bancarella del mercato. Incuriosita, si mise alla ricerca di opere di Nelli e di altre artiste dimenticate da tempo. E, come archeologi che esplorano una città perduta, Fortune e altri trovarono diverse opere: negli archivi, nei depositi dei musei e in vecchie chiese. La maggior parte era in condizioni spaventose.

Questo ha spinto Fortune a fondare un'organizzazione no-profit con sede a Firenze, Advancing Women Artists (AWA), che "è impegnata a identificare e restaurare opere d'arte di donne nei musei, nelle chiese e nei depositi della Toscana". Ad oggi, il team di restauratrici di AWA ha pulito e restaurato più di 50 opere di donne artiste dal Rinascimento al XX secolo, tra cui l'Ultima Cena di Nelli e una versione di Davide e Betsabea di Artemisia originariamente di proprietà del Granduca di Toscana (L'Ultima Cena di Nelli è ora in mostra permanente al Museo di Santa Maria Novella di Firenze).

Il soffitto di vetro: infranto o solo innalzato?

Sofonisba Anguissola, Lavinia Fontana, Angelica Kauffman, Élisabeth Vigée Le Brun, Rosa Bonheur, Berthe Morisot, Mary Cassatt, Elizabeth Thompson (Lady Butler), Hilma af Klint, Georgia O'Keeffe, Frida Kahlo, Louise Bourgeois, Lee Krasner, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Judy Chicago, Jenny Holzer, Jenny Saville: Queste sono solo alcune delle artiste affermate che, come Gentileschi e Nelli, hanno dovuto superare barriere culturali e istituzionali per raggiungere un certo livello di riconoscimento e successo.

Tuttavia, man mano che l’indagine degli storici dell'arte avanza, sempre più opere di artiste donne stanno "emergendo dall'ombra", portando alla riattribuzione di pezzi precedentemente accreditati ad artisti uomini oppure alla riscoperta di creazioni dimenticate, come l'Ultima Cena di Nelli. La National Gallery, per esempio, ha recentemente acquisito un "capolavoro appena scoperto" di Gentileschi intitolato Autoritratto come Santa Caterina d'Alessandria. Posseduto per secoli da una famiglia francese, la paternità del dipinto era stata dimenticata. Nel 2017, la National Gallery lo ha pagato 3,6 milioni di sterline, un record per l’artista.

In un autorevole saggio scritto quasi 50 anni fa, Linda Nochlin pose la provocatoria domanda Perché non ci sono state grandi donne artiste? In esso, ha sondato questioni come "la natura delle capacità umane in generale e dell'eccellenza umana in particolare" così come "il ruolo che l'ordine sociale gioca in tutto questo". Il giornalista e autore canadese Malcolm Gladwell ha esplorato alcuni di questi temi nel suo libro del 2008 Outliers: La storia del successo. Una delle sue principali premesse è che le pochissime persone insolitamente realizzate che appaiono periodicamente nel corso della storia "sono invariabilmente i beneficiari di vantaggi nascosti e opportunità straordinarie insieme a lasciti culturali che permettono loro di imparare e lavorare sodo e dare un senso al mondo in modi che gli altri non possono." Il fatto che questi vantaggi, opportunità e lasciti siano storicamente maturati solo per gli uomini offre una risposta alla domanda provocatoria di Nochlin.

Tuttavia, il crescente apprezzamento per le artiste donne, unito a trend sociali di più ampio respiro, segnala un possibile cambiamento di paradigma in cui le donne cominciano ad accedere ad alcuni di questi "vantaggi nascosti e opportunità straordinarie", così come a un insieme più illuminato di "eredità culturali"? Si tratta di un soffitto di vetro che viene infranto, o che si sta solo spostando più in alto?

Anche se oggi le donne seguono ancora gli uomini in molti aspetti del mondo dell'arte, ci sono segni di cambiamento positivo. Per esempio, dei dodici premi Turner individuali assegnati dal 2010, otto sono stati assegnati a donne e quattro a uomini. E circa due terzi degli studenti di arte creativa e design nel Regno Unito e negli Stati Uniti oggi sono donne. Questa coorte include donne artiste abili e talentuose che, col tempo, raggiungeranno la stessa statura di de Kooning, Picasso o Delacroix? Gli attuari assicurativi risponderebbero quasi certamente di sì. Il tempo saprà dare una risposta, ma i fatti mostrano che siamo nella direzione giusta, per cui la generazione emergente di donne artiste può iniziare ad accedere ad alcuni dei "vantaggi nascosti e opportunità straordinarie", in primis, la grandezza artistica, precedentemente appannaggio esclusivo degli uomini.

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