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En octubre de 2020, la National Gallery de Londres dio la bienvenida a los visitantes a la primera gran exposición individual en un museo de las ya famosas pinturas barrocas de Artemisia Gentileschi. Esta esperada exposición -que ha cosechado elogiosas críticas de la prensa- no solo refleja el resurgimiento del interés por su obra, sino que también anuncia nuestro creciente conocimiento y aprecio por las relativamente pocas mujeres artistas de éxito a lo largo de la historia del arte occidental.

Tras los pasos de Caravaggio

Es muy apropiado que esta exposición se celebre en la National Gallery. En 1638, Artemisia fue invitada por el rey Carlos I a reunirse con su padre, Orazio Gentileschi, en Londres. (Orazio era previamente muy amigo de Caravaggio, y su influencia se transmitió también a Artemisia). Fue durante sus cuatro años allí cuando Artemisia probablemente creó el Autorretrato como alegoría de la pintura (La Pittura). En este Autorretrato, Artemisia representó la Pintura (La Pittura) de forma coherente con la descripción del manual emblemático estándar de la época, la Iconologia de Cesare Ripa. Al mismo tiempo, el cuadro es un autorretrato: una mujer artista que sostiene un pincel en una mano y una paleta en la otra. Cuando Carlos I lo compró, el Autorretrato de Artemisia se convirtió en el primer cuadro de una mujer artista en la Colección Real.

Los críticos han señalado que el cuadro más conocido de Artemisia, Judith decapitando a Holofernes, también puede considerarse un autorretrato. (Se conservan dos representaciones casi idénticas de ella; una se encuentra en los Uffizi de Florencia y otra en el Capodimonte de Nápoles). Aquí, Artemisia pintó a Judit sujetando la cabeza de Holofernes con su mano izquierda mientras le cortaba el cuello con una daga brillante en su mano derecha. Una interpretación común es que Holofernes era un sustituto de Agostino Tassi, un pintor italiano que Orazio contrató como tutor de Artemisia; más tarde fue condenado por violarla tras un brutal juicio en el que Artemisia fue torturada para comprobar su veracidad.

Descubrir y restaurar lo invisible

Al igual que Gentileschi, las pocas mujeres que alcanzaron el éxito durante el Barroco y épocas posteriores solían ser hijas de pintores consagrados y, por tanto, pudieron aprender el oficio rondando los talleres de sus padres. La historia de Plautilla Nelli es diferente. Nació en Florencia en 1524 e ingresó en el convento dominicano de Santa Caterina di Cafaggio cuando tenía catorce años. Su convento era un centro de monjas artistas autodidactas, entre las que pronto destacó Nelli. De hecho, Nelli es una de las pocas pintoras incluidas en la obra fundamental de Giorgio Vasari, Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos.

Nelli y su equipo no tardaron en recibir encargos de florentinos adinerados, así como de iglesias de toda la Toscana y de otros lugares. Vasari señaló que "había tantos cuadros suyos en las casas de los caballeros de Florencia, que sería tedioso mencionarlos todos". Sin embargo, la historia ha pasado por alto sus contribuciones y, en 2006, sólo se le atribuían tres cuadros; en la actualidad, hay diecisiete. Entre ellos destaca su interpretación de La última cena. El cuadro de Nelli, de siete por dos metros, fue creado en la década de 1560 y colgado en Santa Caterina hasta el siglo XIX, cuando el convento fue suprimido. El cuadro acabó almacenado en un monasterio cercano.

En 2004, Nelli fue redescubierta por una estadounidense, Jane Fortune, que observó una referencia al artista en un libro encontrado en un puesto del mercado. Intrigada, se puso a buscar obras de Nelli y de otras artistas femeninas olvidadas durante mucho tiempo. Y, como los arqueólogos que exploran una ciudad perdida, Fortune y otros encontraron esas obras: en archivos, almacenes de museos y en los rincones más recónditos de antiguas iglesias. La mayoría estaban en un estado lamentable.

Esto llevó a Fortune a fundar una organización sin ánimo de lucro con sede en Florencia, Advancing Women Artists (AWA), que "se compromete a identificar y restaurar obras de arte de mujeres en museos, iglesias y almacenes de la Toscana". Hasta la fecha, el equipo de restauradoras de AWA ha limpiado y restaurado más de 50 obras de mujeres artistas desde el Renacimiento hasta el siglo XX, incluida La última cena de Nelli, así como una versión de David y Betsabé de Artemisia que originalmente era propiedad del Gran Duque de Toscana. (La Última Cena de Nelli se expone ahora de forma permanente en el Museo de Santa María Novella de Florencia).

El techo de cristal: ¿se ha roto o se ha levantado?

Sofonisba Anguissola, Lavinia Fontana, Angelica Kauffman, Élisabeth Vigée Le Brun, Rosa Bonheur, Berthe Morisot, Mary Cassatt, Elizabeth Thompson (Lady Butler), Hilma af Klint, Georgia O'Keeffe, Frida Kahlo, Louise Bourgeois, Lee Krasner, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Judy Chicago, Jenny Holzer, Jenny Saville: Éstas son sólo algunas de las artistas femeninas que, como Gentileschi y Nelli, tuvieron que superar las barreras culturales e institucionales para alcanzar cierto nivel de reconocimiento y éxito.

Sin embargo, a medida que los historiadores del arte indagan más en los rincones olvidados, más obras de mujeres artistas están "saliendo de las sombras", lo que lleva a la reatribución de piezas que antes se atribuían a artistas masculinos, así como al redescubrimiento de creaciones olvidadas, como La Última Cena de Nelli. La National Gallery, por ejemplo, ha adquirido recientemente una "obra maestra recién descubierta" de Gentileschi titulada Autorretrato de Santa Catalina de Alejandría. Propiedad durante siglos de una familia francesa, la autoría del cuadro había caído en el olvido. En 2017, la National Gallery pagó 3,6 millones de libras por ella, un récord para su obra.

En un influyente ensayo escrito hace casi 50 años, Linda Nochlin planteó la provocativa pregunta ¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas? En él, indagaba en cuestiones como "la naturaleza de las capacidades humanas en general y de la excelencia humana en particular", así como "el papel que desempeña el orden social en todo esto". El periodista y escritor canadiense Malcolm Gladwell exploró algunos de estos temas en su libro de 2008 Valores atípicos: La historia del éxito. Una de sus principales premisas es que las escasas personas con logros inusuales que aparecen periódicamente a lo largo de la historia "son invariablemente los beneficiarios de ventajas ocultas y oportunidades extraordinarias y legados culturales que les permiten aprender y trabajar duro y dar sentido al mundo de formas que otros no pueden". El hecho de que estas ventajas, oportunidades y legados hayan sido históricamente sólo para los hombres ofrece una respuesta a la provocativa pregunta de Nochlin.

Sin embargo, el creciente aprecio por las mujeres artistas, unido a tendencias sociales más amplias, ¿señala un posible cambio de paradigma en el que las mujeres empiezan a tener acceso a algunas de estas "ventajas ocultas y oportunidades extraordinarias", así como a un conjunto más ilustrado de "legados culturales"? ¿Estamos asistiendo a la ruptura de un techo de cristal, o simplemente está subiendo?

Aunque hoy en día las mujeres siguen estando por detrás de los hombres en muchos rincones del mundo del arte, hay signos de cambio positivo. Por ejemplo, de los doce premios Turner individuales concedidos desde 2010, ocho fueron para mujeres y cuatro para hombres. Y cerca de dos tercios de los estudiantes de arte y diseño creativo en el Reino Unido y Estados Unidos son hoy mujeres. ¿Incluye este grupo a mujeres artistas de gran talento y a unas pocas que, con el tiempo, alcanzarán el mismo prestigio que, por ejemplo, de Kooning, Picasso o Delacroix? Los actuarios de seguros responderían casi con toda seguridad que sí. Aunque el péndulo oscila lentamente, cada vez hay más pruebas de que se mueve en una dirección en la que la generación actual de mujeres artistas emergentes puede empezar a acceder a algunas de las "ventajas ocultas y oportunidades extraordinarias" que antes sólo estaban al alcance de los hombres, y en las que reside la grandeza artística.

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